Un article paru dans Drome Magazine n°20 : Catastrophe.
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Article paru dans Drome Magazine n°20 : Catastrophe. A lire en cliquant sur l’image ci-dessous ou en suivant ce lien. 
Portfolio de Ali Kazma dans Drome Magazine
Un article de Barbara Polla dans Drome Magazine n°20 : Catastrophe
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NATURE VS NURTURE is the latest group exhibition of FaMa Gallery and it presents new works by David Casini, Mat Collishaw, Patricia Piccinini, Barry Reigate and Sissi.
The exhibition opens on Friday 8th June through to 28th July 2012.
Nature vs Nurture. This dichotomy – between an individual’s natural features, those antecedent any influences coming from society and education, and what, on the other hand, moulds him and derives from the context in which the individual himself develops – has been the centre of scientific debates for a long time, in particular between the end of the XIX and the beginning of the XX century, and has produced a large number of studies on the innate or environmental origin of physical and behavioural traits of man. In recent times academics have been turning their attention back to this dichotomy again, mainly in humanistic fields.
The exhibition NATURE VS NURTURE moves from this ample and complex debate to investigate the work of five artists who analyse – though with different techniques and approaches – the scientific method so as to get possession of its assumptions and objectives. But at the same time they examine the consequences – even in politics – that the ideas of evolution and progress may have in the definition of a modern society.
David Casini – whose artistic practice is particularly focused on a careful research of materials – meticulously selects, elaborates and gives new shape to the objects and elements – both natural and artificial, and with a strong symbolic value – of his works. Casini’s installations, which seem to represent his private imagery, are permeated by a light nostalgic feeling and they appear like fragments of a suspended, silent and solitary time. In his recent work Déjà Vu, three vintage mirrors duplicate and dematerialize some objects – both mineral and organic – hanging in front of them thanks to thin brass structures, thus recalling the symbolic value of the mirror as the possibility of the double and establishing a strong emotional tension with the viewer. This tension is mainly given by the constantly changing perspectives from which the viewer can follow this game of visual references.
Venal Muse, the new series of photographs by Mat Collishaw, on display on occasion of this exhibition, starts from a tribute to Baudelaire’s Les Fleurs du Mal. As the French poet’s poems are centred on such themes as decay and erotism, in the same way Collishaw’s flowers, genetically modified, marked by wounds and sores, seem to be suffering from an unstoppable decay which causes the loss of their beauty and seems to be inevitably caused by man. By evoking the atmospheres of the Renaissance studiolo, the artist presents, through these images, a sort of spectacularization of scientific experiments, investigating the seduction exerted by beauty and its corruption.
The research of the Australian artist Patricia Piccinini starts, on the other hand, from a deep interest in such important themes as genetic engineering, bioethics and biotechnologies and it is characterised by the use of different artistic languages, painting, installation and video. Piccinini’s creatures – familiar and disturbing at the same time – are made of silicone, fiberglass, human hair and clothes that make them astonishingly realistic and they play on the register of ambivalence: on the one hand, their appearance and the pose in which the artist seems to have caught them by surprise communicate a feeling of familiarity and closeness, on the other, when the viewer is in front of these weird creatures, he or she cannot but wonder about their origin and if they are aliens or they belong to a future in which – maybe – we all will be living soon.
The artist places the viewer in front of the genetically modified hybrid and – without expressing any judgment or opinion – she urges the viewer to wonder both about the limit and the relationship between the natural and the artificial and about the reaction resulted from meeting something unknown and different.
In his new series of works, Barry Reigate explores the relation between the shape and what is conceptually projected onto it. This investigation is carried out with a highly critical analysis and through the use of simple geometric shapes taken from decontextualized diagrams contained in the questions of children’s school math tests. His paintings are characterized by a language containing repetitions of geometric forms that look back, play on the aspirational ideologies /aesthetics of modernism, but that, at the same time, empty themselves, through, an evacuated kind of brutal ornamentalism. Taking the forms from an academic and translating them to a cultural context, Reigate plays on our cultural assumptions and social-political aspirations as a kind of dormant test that sees former orders collapsing and questioning what that language, the school test, might be still used for. Through the work Reigate teases with ideas around the social-political and plays with the links between social and physical structures, education and labour, culture and play.
By putting her ideas through an ironic but absolutely precise analysis and scientific catalogation, which results in an extremely disciplined, almost obsessive artistic practice (every element is hand-made), the Bolognese artist Sissi creates a paradigm along which she makes experiments that give origin to sculptures, installations and performances strictly linked to her personal past life – but also about universal themes – constantly in search for new places or bodies where to live, proliferate or sprout.
Beautiful Penis sur secondsexe.com
Etonné du manque de représentations des hommes par des artistes femmes, Second Sexe avait organisé une conférence avec Catherine Millet et Bettina Rheims, pour essayer de comprendre ce manque.
C’est ce même sujet qui est abordé par la Galerie Nuke, qui propose à partir du Samedi 12 mai une exposition magnifiquement intitulée : “Beautiful Penis” (titre d’une oeuvre de Tracey Emin), avec une sélection de douze femmes, artistes contemporaines qui travaillent sur le thème : Vanessa Beecroft (Italie), Leslie Deere (USA), Tracey Emin (Angleterre), Dana Hoey (USA), Katerina Jebb (Angleterre), Elena Kovylina (Russie), Sarah Lucas (Angleterre), Joanna Malinowska (Pologne), Maro Michalakakos (Grèce), Sabine Pigalle (France), Michaela Spiegel (Autriche) et Ornela Vorpsi (Albanie).
Les commissaires de l’exposition précisent, si besoin était, qu’il ne s’agit pas de rendre hommage à la chose, mais à ces représentations dans l’art, et au plaisir, au désir, à la réflexion que ce membre provoque chez les artistes femmes.
Sabine Pigalle présente un pénis de clown androgyne. Joanna Malinowska, en « anthropologue culturelle » offre un Self-portrait as Penis envy. Maro Michalakakos, Vanessa Beecroft et Elena Kovylina, ont une approche quasi scientifique de la masculinité . Sarah Lucas met en scène son désir de pénis, tout comme Dana Hoey, photographe, pour qui le désir féminin est « a great feminist gesture ». Michaela Spiegel et Ornela Vorpsi jouent du désir ludique et Katerina Jebb ainsi que Leslie Deere proposent des représentations olfactives et sonores des verges. Katerina Jebb met en scène un flacon, Pulchra Mentula, où l’on peut lire : « Oh Beautiful Penis, I have never tried so hard to decipher my own feelings about such an honorable and hauntingly perplexing subject » (Oh, magnifique pénis, je n’ai jamais d’aussi gros efforts pour comprendre mes propres sentiments sur un sujet si honorable, obsédant, perplexe).
Exposition du 12 mai au 16 juin 2012
Galerie Nuke
11 rue St Anastase
75003 Paris
Du mardi au samedi, entre 14h et 19h, et sur rendez-vous.
Tel : 01 42 71 52 38
Article publié sur secondsexe.com
Printemps de Toulouse, suite mais pas fin!
194 flags © Julien Serve
Cette fois c’est certain: Marie-Thérèse Perrin, Fondatrice et Présidente du Printemps, de Cahors d’abord, de Septembre ensuite, et qui continue de porter, depuis 23 ans, ce Festival d’Art à bout de bras et à bout de cœur, l’a confirmé à la conférence de presse qui s’est tenue ce 22 mai à la Fondation Cartier: dès 2013 le Printemps aura à nouveau lieu… oui au printemps. Ainsi va l’Histoire…
Mais pour l’instant, c’est bien en Septembre 2012 qu’il s’agira de redécouvrir l’Histoire, la nôtre et celle des artistes d’aujourd’hui.
Car c’est bien là le titre de cette nouvelle édition, dont la direction artistique a été confiée à Paul Ardenne: L’Histoire est à moi. Et comme le disait Régis Durand (les deux homme se connaissent bien et ont même écrit un livre ensemble, Images Mondes: “la programmation de Paul Ardenne, grand connaisseur de l’art contemporain, et sa vision transversale nous permettent d’échapper au ‘prêt-à-porter’ artistique, et à mettre en valeur des formes d’art qui ne font pas partie des ‘vaches sacrées’ du contemporain” – (ferait-il allusion à celles qui sont coupées en deux ?). Régis Durand se dit enthousiaste, lui plutôt réservé d’habitude: “En effet, cette exposition nous met devant un questionnement dialectique, celui de l’Histoire comme objet – et de ce fait même nous amène à prendre conscience que l’Histoire n’est pas un objet.”
Paul Ardenne, dans sa présentation, mettra en avant, entre autres, deux spécialistes, deux personnalités d’exception de l’art et de la guerre – et donc de l’Histoire, forcément: Laurence Bertrand Dorléac d’une part, directeur de thèse, il y a quelques années, de l’impétrant Paul Ardenne, auteur de l’Ordre sauvage et commissaire de la future exposition “L’Art en Guerre” qui aura lieu au Musée d’art moderne de la Ville de Paris dès mi-octobre 2012 – et Jean Yves Jouannais, l’auteur présumé de l’Encyclopédie des Guerres.
Quant à moi, je retiendrai pour aujourd’hui le travail de Julien Serve, jeune artiste français lié à la galerie Quang à Paris, et qui, pour L’Histoire est à moi propose un étendard constitué de la superposition des spectres des drapeaux des 193 nations représentées à l’ONU et de celui de la Palestine. Il s’agit là d’un travail évolutif: au fur et à mesure de l’adhésion future d’autres nations à l’ONU, les drapeaux de ces dernières seront également inclus dans le «drapeau du pays Terre», et la pièce rebaptisée. En l’occurrence, ces 194 drapeaux, ont été fusionnés, compressés, de manière parfaitement équitable, à intensité visuelle égale numériquement, de manière à générer un seul et unique drapeau. Un travail qui “pose la question de l’identité nationale: imaginons un instant remplacer à Toulouse tous les drapeaux français par ce drapeau de fusion – serions-nous alors dans la perte de notre identité nationale, ou dans l’acquisition d’une identité humaine globalisée?”
La beauté presque sournoise du travail de Serve révèle à notre regard incrédule que la fusion, sur une seule et unique bannière, de toutes les identités prises en compte, génère une bannière à l’humanité douce, harmonieuse, nuancée, modeste.
Le drapeau de Julien Serve: une utopie que l’on ne peut qu’espérer Historique. Ou à quoi servent les artistes: à générer des utopies visuelles. Et à quoi servent les directeurs artistiques: à donner à voir au plus grand nombre d’entre nous des utopies qui nous feront longtemps rêver. Jusqu’au Printemps!
Publié dans Les Quotidiennes le 24 mai 2012
“Londerzeel is a publication on art and fashion. Both Barbara Polla and myself are fascinated and inspired by the boundaries between these two fields and tend to investigate them in a very unconventional manner, working with artists, photographers, a graphic designer, writers, art critics… Londerzeel is about the Kris Van Assche universe, a universe that meets many others, crosses over many fields, and includes constantly novel people, ideas and artworks.”
Read the entire interview of Kris Van Assche on METAL’s blog here.
